- A Streetcar Named Desire. La película
Un tranvía llamado deseo (A Streetcar Named Desire) de 1951, dirigida por Elia Kazan, es un intenso drama psicológico que explora el choque entre ilusión y realidad. La película destaca por las actuaciones memorables de Vivien Leigh como Blanche DuBois y Marlon Brando como Stanley Kowalski, cuya presencia marcó un antes y un después en el cine estadounidense. A través de tensas relaciones familiares y de pareja, el filme aborda temas como la fragilidad mental, la violencia, el deseo y la decadencia del sueño romántico. Su atmósfera opresiva y su profundidad emocional la convierten en un clásico imprescindible del cine.
Figura 1. Cartel de la película A Streetcar Named Desire. Fuente: Archivo personal.
- A Streetcar Named Desire. La música
La banda sonora compuesta por Alex North para Un tranvía llamado deseo es uno de los grandes hitos musicales realizados para una película en la década de los años cincuenta. Supone una ruptura clara con el modelo neorromántico heredado de Korngold o Steiner y abre la puerta a un lenguaje psicológico, urbano y profundamente influido por el jazz y el blues. Michel Chion (1997) señala que Alex North se «sirvió del marco de la acción, Nueva Orleans, y de la atmósfera de locura sensual que envuelve a los personajes para arriesgarse a escribir una música diferente, parcialmente inspirada en el blues y el jazz» (p. 138).
North articula una música:
- No descriptiva en sentido ilustrativo, sino expresiva y subjetiva, centrada en los conflictos internos de los personajes.
- De armonía ambigua, con abundante cromatismo, acordes extendidos, tensiones no resueltas y una tonalidad constantemente erosionada.
- Con una orquestación híbrida: gran orquesta sinfónica tratada con técnicas propias del jazz (sordina, swing latente, riffs, protagonismo de saxofones, piano y percusión).
La música se asocia especialmente a Blanche DuBois, funcionando como comentario psicológico de su fragilidad, sensualidad reprimida y progresiva desintegración mental, en contraste con la brutalidad terrenal de Stanley Kowalski.
Figura 2. Portada del Cd de la banda sonora regrabada por Jerry Goldsmith. Fuente: Archivo personal.
- Main Title: Análisis
a) Tempo, carácter y estructura
El Main Title está marcado como “Slow blues ♩ = 80”, lo cual denota no solo el tempo, sino también el carácter de la pieza. El blues actúa como sustrato emocional y cultural.
Formalmente, la pieza puede entenderse como una forma libre tripartita ampliada, con:
- Exposición (atmósfera nocturna, decadente).
- Acumulación progresiva de tensión mediante densificación orquestal y rítmica.
- Clímax agresivo y disonante, seguido de una resolución incompleta.
No hay un tema melódico tradicional, sino células motívicas que reaparecen y se transforman.
Figura 3. Indicación de tempo y carácter en la primera página de la partitura. Fuente: Elaboración propia.
b) Lenguaje armónico
El lenguaje armónico es uno de los rasgos más innovadores:
- Base en centros tonales inestables, frecuentemente asociados a modos menores con cromatismos constantes.
- Uso intensivo de:
- Blue notes (terceras, quintas y séptimas alteradas).
- Acordes de séptima, novena, oncena y trecena, muchos de ellos sin resolución funcional.
- Acordes por superposición y tensiones acumuladas.
- La armonía no progresa funcionalmente, sino que gravita, generando sensación de estancamiento y fatalidad.
Esto refuerza una idea clave: la música no “avanza”, del mismo modo que los personajes están atrapados en su propio conflicto.
c) Ritmo y métrica
Aunque está en 4/4, el pulso se percibe constantemente desestabilizado:
- Presencia de síncopas, desplazamientos de acentos y anticipaciones.
- Uso recurrente de ostinati rítmicos en contrabajos, piano y percusión.
- Sensación de swing implícito, nunca explícito, que remite al jazz sin convertirse en música diegética.
El ritmo actúa como tensión subyacente, más psicológica que física.
Figura 4. Presencia de síncopas y ostinati rítmicos. Fuente: Elaboración propia.
d) Orquestación
La orquesta es grande, pero no tratada a la manera sinfónica tradicional:
- Protagonismo absoluto de los saxofones (alto, tenor y barítono), que aportan un color urbano, sensual y turbio.
- Uso expresivo de:
- Sordinas en trompetas y trombones.
- Técnicas como plunger, indicaciones como “dirty” y molto marcato.
- El piano funciona tanto armónicamente como percusivamente.
- Las cuerdas no son líricas: predominan texturas tensas, pizzicati secos y bloques rítmicos.
- Percusión (ride, hi-hat, gran cassa) con función estructural, no decorativa.
La orquestación refuerza una estética de sordidez, calor y opresión.
Figura 5. Presencia de síncopas y ostinati rítmicos. Fuente: Elaboración propia.
e) Motivos y escritura melódica
La escritura melódica es:
- Fragmentaria, basada en motivos cortos.
- De contorno descendente, frecuentemente cromático.
- Con intervalos expresivos (segundas menores, tritonos).
No busca memorabilidad temática, sino carácter psicológico.
- Relación de la música con las imágenes (función audiovisual)
En el Main Title, la música establece desde el primer instante el marco emocional de la película, antes incluso de que aparezcan los personajes.
La música sitúa la acción en un entorno urbano decadente (Nueva Orleans no como postal, sino como espacio opresivo) y sugiere calor, humedad, ruido y tensión sexual latente. El blues lento funciona como metáfora del entorno social y emocional.
La música no acompaña la acción visible, sino que anticipa el conflicto interno de Blanche y funciona como subtexto emocional, revelando lo que la imagen aún no muestra. Frederic Torres (2016) comenta que «el tema central ubica al espectador en una dimensión musical ajena a la habitual música cinematográfica compuesta hasta el momento» (p. 56).
El carácter inestable y disonante prepara al espectador para un drama de fractura mental y violencia emocional. La acumulación progresiva de capas orquestales acompaña el despliegue de los créditos, aumentando la sensación de inevitabilidad. Además, los clímax musicales no coinciden con acciones concretas, sino con puntos de máxima carga simbólica. Todo esto refuerza una relación no sincronizada, sino estructural entre música e imagen.
- Conclusión
El Main Title de A Streetcar Named Desire es una declaración estética y narrativa:
- Musicalmente, inaugura un lenguaje cinematográfico moderno basado en jazz, ambigüedad armónica y psicologismo.
- Dramáticamente, establece el tono de un mundo roto, sensual y violento.
- Audiovisualmente, la música no ilustra: interpreta y revela.
Alex North convierte la música en un agente dramático autónomo, esencial para comprender la película tanto como el guion o la interpretación.
Bibiografía
Chion, M. (1997). La música en el cine. Barcelona: Paidós
Torres, F. (2016). Alex North. El viajero impenitente. Barcelona: T&B Editores
